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English to Portuguese: History, landscape, body: A conversation with Pakistani artist Ali Kazim General field: Art/Literary Detailed field: Art, Arts & Crafts, Painting
Source text - English History, landscape, body: A conversation with Pakistani artist Ali Kazim
Currently focused on an upcoming solo show scheduled for 2021 at the Ashmolean Museum in Oxford, UK, prominent Pakistani artist Ali Kazim says he hasn't experienced any significant changes to his work since the start of the COVID-19 pandemic. But he acknowledges that the art world will be hit hard as economies struggle or collapse in response to the virus that continues to impact almost every aspect of life across the world.
Kazim, 46, was born and raised in Pakistan and received his BFA degree from the National College of Arts, Lahore, Pakistan in 2002 and an MFA from the Slade School of Fine Art, London, UK, in 2011. He currently lives and works as a multidisciplinary artist in Lahore, where he is also an assistant professor at the National College of Arts.
While Kazim works in a variety of genres and techniques, he has stood out for his portraits, which present realistically depicted subjects in surreal settlings against backdrops of powerful color.
Kazim’s works have been exhibited in major international fairs and exhibitions around the world, including New York’s Frieze Art Fair in 2019, and collected by New Yorks's Metropolitan Museum, the Asia-Pacific Museum, the British Museum, Australia’s Queensland Art Gallery, and others.
In an interview with Global Voices, Ali Kazim speaks about his fascination with the human body, the inspiration he takes from landscape, his current work and what we should know about art in Pakistan now. Excerpts from the interview follow:
You have a sort of fascination with the human body, from your body drawings in 2002 up to now. How has this influenced what art means to you?
I think the human body is such a fascinating form. It is complex both in its physicality and as a thematic concern. The body, which is core to performing everyday functions, keeps doing its tasks even most of the time without our conscious knowledge, while it goes through various emotional and spiritual stresses. The figurative works I’ve produced perhaps are glimpses of those moments it goes through.
Is there any connection between your work on the history of landscapes and the human body both in terms of the technique you use (painting-drawing) and the meaning of the work?
I wanted to make some portraits or images based on human figures. I wanted to start with my own explanations, but at that point I didn’t really know where to start until I came across a replica of the Priest King (a small, white, lo- fired steatite statue from the Indus Valley civilization) at Lahore museum.
That is probably the earliest example of a portrait that has survived in this part of the world. It gave me a reason to make sketches of it and then a portrait of the Priest King. I developed a new body of work from there. I wanted to create tales by placing one or two elements next to the portraits, whether it was a prayer cap, a parrot, or a shaving razor.
I fell in love with the watercolor wash technique. I was gradually discovering the possibilities of constructing the images by adding thin layers of colored washes, removing extra pigment from the surface and rendering it with tiny brushes. I guess in that way the formal aspects of the work became important for me.
In early 2013 I started visiting the excavated Harrapan sites near my hometown. The Ruins series landscapes are based on the mounds of the Indus Valley civilization. I think they are in a way collective portraits of the people who may have lived there. I was more interested in these sorts of historical connections.
You have been very active internationally, exhibiting your work in major cities in the world and with museums like the Metropolitan acquiring your work. How is your work received by the art community in Lahore and Pakistan?
It’s such an honor that some prestigious institutions around the world have acquired my work over a period of time. I’ve been actively exhibiting in Pakistan since the beginning of my career. I was invited to make a large human hair sculpture/drawing for the first edition of the Karachi Biennale in 2017.
The project was appreciated well; I received the jury’s prize at the very first biennale of Pakistan. Then the next year for the inaugural edition of the Lahore Biennale I made a large installation called “Untitled (Ruins of the lovers temple)” in a public garden with five thousand life-size terracotta hearts.
Towards the end of the biennale, people were allowed to pluck hearts from the walls of the ruins. I later traced this and was surprised to see how people showed so much care for the fragile terracotta hearts they picked up from the site or gifted it to their loved ones. The project is living its new life.
My recent large-scale watercolor drawing “The Conference of the Birds” was exhibited last year in the Karachi Biennale and this year I did two projects for the Lahore Biennale, including a large installation of 3,000 unbaked clay birds at an abandoned brick factory. The installation lasted until the rain fell. The process of the clay birds turning to earth was very beautiful and poetic.
What is there about art in Pakistan that people in the world should know and look for?
Apart from contemporary art, the region has more to offer. There are fascinating cave engravings from the Paleolithic age in the north of Pakistan. The magical terracotta artifacts from the Indus Valley Civilization are amazing. The Gandhara sculptures, which truly are remarkable in their appearance. It’s hard to take your eyes off the Fasting Buddha at Lahore Museum. These Gandharan sculptures in many ways are the first examples of the earliest form of globalization.
It is fascinating to see how a new genre of sculpture developed when the Indo-Greek styles emerged. Then the Mughal miniature paintings are a visual treat. The two main cities, Lahore and Karachi, have successfully held two editions of the biennales each year since 2017. That has started a new era, with local people getting a chance to see some amazing works from Pakistani and international artists. This year the Lahore Literary Festival’s dates overlapped with the Lahore Biennale towards the closing week.
Which artist/artists have had the most influence in your work?
There are many artists I admire very much. I am completely in love with Doris Salcedo, Kiki Smith, Louise Bourgeois, Cornelia Parker, Robert Gobber, and Vija Celmins’ work. I have just realized that most of my favorite artists are female. Their work is much informed, emotionally charged and very intelligently made with loads of patience. I think everything is there. They have produced immaculate works over the period of time.
My works on paper technique owe much to the Bengal School’s watercolorists. I’ve learned a lot by observing their paintings that are in public collections in Lahore, and have also seen some in Delhi.
Art schools don’t create/produce artists. If that's true, what’s the realistic expectation from such institutions regarding the artistic process of individuals who attend them?
I think art schools provide an environment where one tests ideas and talks about them with the fellow striving young artists. Some of them will continue studio practice; others will advance in related fields such as art writing, curation, galleries, art fabrication etc. They also can create their own circle of creative people while going to the school. Schools offer graduates the ability to showcase their best to the world and take chances. They get connected with the art world. These are important steps to practically enter the art world.
Translation - Portuguese História, paisagem, corpo: uma conversa com o artista paquistanês Ali Kazim
Atualmente focado em sua próxima apresentação solo, programada para 2021 no Museu Ashmolean, em Oxford, no Reino Unido, o proeminente artista paquistanês Ali Kazim diz que não sentiu nenhuma mudança significativa no seu trabalho desde o começo da pandemia de Covid-19. Entretanto, ele reconhece que o mundo das artes será fortemente atingido, uma vez que as economias lutam ou desmoronam em resposta ao vírus que continua a impactar quase todos os aspectos da vida pelo mundo.
Kazim, 46 anos, nascido e criado no Paquistão, recebeu em 2002 o título de bacharel em Belas Artes pela Faculdade Nacional Artes de Lahore, no Paquistão, e de mestre em Belas Artes pela Slade School of Fine Art de Londres, no Reino Unido, em 2011. Ele atualmente vive e trabalha como artista multidisciplinar em Lahore, onde também é professor assistente na Faculdade Nacional de Artes.
Embora Kazim trabalhe com uma variedade de gêneros e técnicas, ele tem se destacado por seus retratos, que exibem sujeitos representados de forma realista em cenários surreais, com cores intensas ao fundo.
O trabalho de Kazim tem sido exibido nas principais feiras internacionais e mostras pelo mundo, incluindo a Frieze Art Fair de 2019 em Nova York. Seus trabalhos também estão presentes em coleções do Metropolitan Museum de Nova York, Asia-Pacific Museum, British Museum, Australia’s Queensland Art Gallery, entre outros.
Em uma entrevista à Global Voices, Ali Kazim fala sobre seu fascínio pelo corpo humano e a inspiração que tira de paisagens. Também descreve seu trabalho atual e o que devemos saber sobre arte no Paquistão nos dias de hoje. Seguem trechos da entrevista:
Você tem uma espécie de fascínio pelo corpo humano, desde os seus desenhos corporais de 2002 até agora. Como isso tem influenciado a sua noção de arte?
Eu acho que o corpo humano tem uma forma muito fascinante. Ele é complexo tanto pelo aspecto físico quanto pela questão temática. O corpo, que é essencial para a execução das funções cotidianas, realiza as suas tarefas, mesmo na maior parte do tempo, de forma inconsciente, enquanto passa por várias tensões emocionais e espirituais. Os trabalhos metafóricos que produzi talvez sejam vislumbres desses momentos que passamos.
Há alguma conexão entre o seu trabalho sobre a história das paisagens e o corpo humano, tanto em termos da técnica usada (pintura-desenho) como o sentido da obra?
Eu queria fazer alguns retratos ou imagens baseados em figuras humanas. Queria partir das minhas próprias interpretações mas naquele momento eu realmente não sabia por onde começar, até que me deparei com uma réplica do Sacerdote-Rei (uma pequena estátua de esteatita branca queimada, da civilização do Vale do Indo) no Museu Lahore.
Esse provavelmente é o exemplo mais antigo de uma obra que sobreviveu nessa parte do mundo. Isso me motivou a fazer esboços e, posteriormente, uma pintura do Sacerdote-Rei. Eu desenvolvi um novo repertório a partir dali. Queria criar histórias colocando um ou dois elementos próximos às pinturas como um chapéu de oração, um papagaio ou uma lâmina de barbear.
Eu me apaixonei pela técnica de lavagem em aquarela. Fui descobrindo gradualmente as possibilidades de construção de imagens a partir de finas camadas de cores diluídas, removendo o excesso de pigmento da superfície e as reproduzindo com finos pincéis. Creio que, nesse sentido, os aspectos formais do trabalho se tornaram importantes para mim.
No início de 2013, eu comecei a visitar as escavações em Harapa, perto da minha cidade natal. As paisagens da série Ruínas são baseadas nas colinas da civilização do Vale do Indo. Penso que elas são, de certa forma, retratos coletivos de pessoas que devem ter vivido lá. Eu estava mais interessado nesse tipo de conexão histórica.
Você está bastante presente no cenário internacional, exibindo seu trabalho nas principais cidades do mundo e com museus como o Metropolitan adquirindo sua pintura. Como seu trabalho é recebido pela comunidade artística no Paquistão e, especificamente, em Lahore?
É uma grande honra que algumas instituições mundiais de prestígio tenham adquirido meu trabalho ao longo do tempo. Eu tenho exibido ativamente no Paquistão desde o início da minha carreira. Fui convidado a fazer uma grande escultura/desenho de cabelo humano para a primeira edição da Bienal de Carachi em 2017.
O projeto foi bem apreciado; recebi o prêmio do júri na primeira Bienal do Paquistão. Depois, no ano seguinte, para a edição inaugural da Bienal de Lahore, eu fiz uma grande instalação chamada “Sem título (Ruínas do templo dos amantes)” em um jardim público com cinco mil corações de terracota em tamanho real.
No encerramento da bienal, as pessoas foram autorizadas a arrancarem os corações das paredes das ruínas. Mais tarde eu notei isso e fiquei surpreso ao ver como as pessoas demonstravam tanto carinho pelos frágeis corações de terracota que levavam dali ou davam de presente a seus entes queridos. O projeto estava vivendo uma nova etapa.
Meu desenho recente de larga escala feito em aquarela, “A Conferência dos Pássaros”, foi exibido no ano passado na Bienal de Carachi. Neste ano eu fiz dois projetos para a Bienal de Lahore, incluindo uma grande instalação de 3.000 pássaros de argila crua em uma fábrica de tijolo abandonada. A instalação durou até a chuva cair. O processo de transformação dos pássaros de argila em terra foi muito bonito e poético.
O que há na arte do Paquistão que as pessoas no mundo deveriam conhecer?
Além da arte contemporânea, a região tem mais a oferecer. Há fascinantes gravuras de cavernas da era Paleolítica no norte do Paquistão. Os encantadores artefatos de terracota da Civilização do Vale do Indo são incríveis. As esculturas de Gandara têm um visual realmente extraordinário. É difícil tirar os olhos do Buddha em Jejum no Museu Lahore. Essas esculturas de Gandara, de várias maneiras, são os primeiros exemplos dos primórdios da globalização.
É fascinante ver como um novo gênero de escultura se desenvolveu quando os estilos Indo-gregos surgiram. Logo, as pinturas em miniatura de Mughal são um deleite visual. As duas cidades principais, Lahore e Carachi, realizaram com sucesso duas edições das bienais desde 2017. Isso deu início a uma nova era, com a população local tendo a chance de ver alguns trabalhos fabulosos do Paquistão e de artistas internacionais. Neste ano, as datas do Festival Literário de Lahore coincidiram com as da Bienal de Lahore na semana de encerramento.
Qual artista ou quais artistas tiveram mais influência em seu trabalho?
Há vários artistas que admiro muitíssimo. Estou completamente apaixonado pelo trabalho de Doris Salcedo, Kiki Smith, Louise Bourgeois, Cornelia Parker, Robert Gobber e Vija Celmins. Acabo de me dar conta de que a maior parte dos meus artistas favoritos são mulheres. Seus trabalhos são bem fundamentados, cheios de emoção e inteligentemente feitos com muita paciência. Acho que tem tudo lá. Eles produziram trabalhos impecáveis ao longo do tempo.
Meus trabalhos sobre papel se devem muito aos aquarelistas da Escola de Benegala. Eu aprendi muito ao observar as suas pinturas presentes em coleções públicas em Lahore. Também vi algumas delas em Deli.
Escolas de arte não criam/produzem artistas. Se isso é verdade, qual é a expectativa real dessas instituições com relação ao desenvolvimento artístico dos indivíduos que as frequentam?
Eu acho que escolas de arte oferecem um ambiente em que é possível experimentar ideias e conversar sobre elas com outros jovens artistas. Alguns indivíduos vão continuar a prática em estúdio; outros darão continuidade em áreas relacionadas como redação artística, curadoria, galerias, fabricação de arte etc. Eles também podem criar seus próprios ciclos de pessoas criativas enquanto frequentam a escola. As escolas oferecem aos graduados a possibilidade de mostrar seus talentos ao público e de se arriscar. Os estudantes entram em contato com o mundo das artes. Essas são etapas importantes para ingressar com solidez neste universo.
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